Ernesto Neto realiza performance em Veneza

Ernesto Neto leva índios da tribo Huni Kuin para realizar performance na Bienal de Veneza

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A Bienal de Veneza ainda nem começou oficialmente e o brasileiro Ernesto Neto já deu seu show entre os pavilhões espalhados pela Giardini. A 57ª edição da bienal acontece em 2017 entre os dias 13 de maio, sábado próximo, e 26 de novembro, mas as galerias e artistas já recebem convidados durante esta semana.

Ernesto Neto é um dos artistas brasileiros mais prestigiados no resto do mundo. Seu trabalho é conceitual, performático e ligado à cultura nacional. Todas estas características causaram alvoroço em Veneza na tarde de hoje, quando o artista realizou a dança da Jiboia na companhia de seis índios da tribo Huni Kuin do Acre.

O ato foi chamado por Ernesto de “ação coletiva” em um discurso dado em inglês para o público presente de dentro da tenda de crochê feita por ele para o evento. Ao final, todos deram as mãos para fazer a Jiboia e saíram em canto pelos pavilhões em uma ação que durou cerca de meia hora.

“Estou aqui trazendo a força da arte e os índios, a força da floresta”, explicou Neto durante sua fala. Em seguida, explicou também porque os índios são igualmente artistas: “a arte para os índios é trazer força e conexão, porque o sagrado para eles está em todo lugar”.

Casa Cor Goiás 2017: o foco é no essencial

Antes que as cortinas da 21ª edição da Casa Cor se abram, o Blog AZ conta o que espera o público em mais um ano de exposição

Fachada

Fachada

Como de costume, a Casa Cor Goiás antecipa a abertura de seus portões para convidados no coquetel da noite de hoje. Oficialmente, a mostra recebe o público a partir de sexta-feira (12), mas antes que a noite de hoje tire as cortinas da 21ª edição da Casa Cor Goiás, o Blog AZ conta o que espera o público em mais um ano de exposição.

Prédio tombado

Pelo segundo ano consecutivo, a Casa Cor será realizada no centro de Goiânia e o desafio é ainda maior, porque o prédio que abriga a mostra é tombado pelo Patrimônio Histórico do Estado. O Colégio José Carlos de Almeida, localizado na Rua 23, estava cotado para sediar a Casa Cor 2016, que acabou acontecendo Central de Medicamentos de Alto Custo (CMAC) em decorrência da ocupação das escolas pelo movimento estudantil no ano passado.

O prédio de arquitetura Art Déco que abriga o colégio – desativado há mais de dois anos – surgiu a partir da junção de outras duas escolas, a Brasil Central e o Grupo Escolar Modelo (1938), que é considerada a primeira escola de Goiânia. Em 1998, o edifício foi inscrito no Livro do Tombo do Estado de Goiás para preservar sua fachada Art Déco.

O tombamento fez com que os arquitetos ficassem um pouco engessados quanto a alteração da estrutura do edifício. Janelas, portas e demais elementos que caracterizam a estrutura do imóvel não puderam ser alteradas. Um desafio ótimo para a criatividade dos profissionais da Casa Cor, que participaram do processo de restauração do prédio – após o encerramento da mostra, o Colégio será sede do Conselho de Educação de Goiás.

“Foco no essencial”

Cada ano o evento nacional define um tema para direcionar os profissionais e este ano “Foco no essencial” foi escolhido para guiar a mostra. A ideia que é que projetos, soluções e ideias sejam apresentadas pelos melhores profissionais do segmento levando o consumidor a se preocupar com o design e também sua função, forma, experiência e sobrevivência no cenário atual.

A busca pelo essencial é o questionamento do momento. “A tendência mundial é priorizar o que realmente importa e cortar o supérfluo em todas as áreas”, explica Sheila Podestá. Mas cada arquiteto tem uma visão do que realmente é essencial, e é isto que fez de cada ambiente da casa uma experiência única. Para a organizadora do evento, “essencial é focar no que faz você viver bem e te faz ser feliz”.

A Casa

Este ano a mostra conta com o total de 41 ambientes projetados livremente por 54 dos melhores arquitetos, decoradores, designers e paisagistas do Estado. Como ocorre todo ano, a casa oferece opções de ambientes residenciais, comerciais e corporativos, bem como algumas novidades. Este ano a mostra terá uma brinquedoteca design, projetada por Andreia Rocha Lima, e poderá ser usada pelos papais que não tem com quem deixar seus filhos para curtir a exposição. Outra novidade é a inédita Casa do Boi, projetada por Léo Romano, com a presença de animais de elite durante todos os dias da mostra, em um ambiente ao livre dedicado à exposição do animal.

Preocupação ambiental

Se o essencial é preservar o que é simples e prático, não poderia a organização fazer um grande evento sem se preocupar com o depois. Parte dos ambientes é composta por sistema de fácil desmontagem, possibilitando o reaproveitamento da estrutura para outros eventos. A Casa Cor também conta com a implementação de um programa integrado de gerenciamento de resíduos, produzidos antes, durante e após a exposição.

A Casa Cor

Pertencente ao Grupo Abril, a Casa Cor é reconhecida como a maior e melhor mostra de arquitetura, design de interiores e paisagismo das Américas. O evento reúne, anualmente, renomados arquitetos, decoradores e paisagistas e em 2017 chega à sua 31ª edição em São Paulo, com 20 mostras nacionais e mais seis internacionais (Miami, Bolívia, Chile, Equador, Paraguai e Peru). Em Goiânia, as arquitetas Eliane Martins e Sheila de Podestá são as responsáveis por mais um ano da mostra, que completa 21 edições em 2017.

Jardim das Oliveiras

Jardim das Oliveiras

Serviço

Casa Cor Goiás 2017
Quando: De 12 de maio a 21 de junho
Onde: Colégio José Carlos de Almeida (Rua 23, Centro, Goiânia – GO)
Quanto: R$ 46,00 (Inteira), R$ 23,00 (Meia),  R$ 150,00 (Passaporte)
Estudantes e pessoas acima de 60 anos pagam meia entrada
Horários da bilheteria: Terça a sexta-feira das 16 às 22 horas e
Sábado, domingo e feriados das 12 às 22 horas

Casa Cor inicia os preparativos para a mostra 2017

Foco no essencial: Casa Cor inicia os preparativos para a mostra 2017

Colégio José Carlos de Almeida

Colégio José Carlos de Almeida

O essencial é que é o foco da Casa Cor 2017. Em Goiás, a maior mostra de design está marcada para acontecer ente os dias 12 de maio a 21 de junho no centro de Goiânia. A novidade? Os preparativos para que a mostra acontece nos dias programados já começaram.

No segundo ano consecutivo a exposição volta ao centro da capital goiana e transformará o interior do Colégio José Carlos de Almeida, localizado na Rua 23 em uma casa cheia de design. A escola está desativava, mas faz parte do grupo de prédios Art Deco da capital tombado pelo estado como Patrimônio Histórico. Após autorização, os arquitetos começaram a mexer no espaço, alguns deles com o luxuoso auxílio do Armazém da Decoração.

Os arquitetos ficarão responsáveis pela restauração do edifício que, após o encerramento do evento, abrigará a Conselho Estadual de Educação de Goiás (CEE-GO). “É fundamental a devolução do prédio em um excelente estado [para a comunidade], até porque é uma atitude sustentável. É um compromisso que nós assumimos. É um prédio que temos um carinho muito especial e a gente tem que devolver e entregar ele em excelentes condições”, explicou Eliane em entrevista ao portal G1 Goiás.

A Casa Cor Goiás 2017 contará com 40 ambientes projetados por 54 profissionais. O tema: “Foco no Essencial”. Aguardem…

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Pedra no Céu: Paulo Mendes da Rocha

Paulo Mendes da Rocha é um dos arquitetos mais premiados do Brasil. Seu trabalho cruzou fronteiras, suas linhas marcam a história da arquitetura e seu nome é conhecido nos quatro cantos do mundo. É por […]

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Paulo Mendes da Rocha é um dos arquitetos mais premiados do Brasil. Seu trabalho cruzou fronteiras, suas linhas marcam a história da arquitetura e seu nome é conhecido nos quatro cantos do mundo. É por isto que o designer, arquiteto e professor da USP ganha uma homenagem de dentro de um dos prédios que carrega seu design: a exposição Pedra no Céu realizada pelo Museu Brasileiro da Escultura (Mube) até o dia 2 de julho em São Paulo.

Pedra no Céu é uma alusão às pedras levantadas no céu pelo arquiteto, como a própria sede Mube. A exposição traz mais de 50 obras de 25 artistas que de alguma forma dialogam com o trabalho de Paulo Mendes, como Amilcar de Castro, Carmela Gross, Cildo Meireles e Nuno Ramos. Parte do acervo do Museu de Arte Moderna (MoMa) de Nova York, a maquete do Mube também está na exposição.

“A nossa proposta, ao pensar esta mostra, foi homenagear o trabalho de Paulo Mendes da Rocha”, explicou historiador de arte Cauê Alves, curador da mostra. “Paulo é autor do prédio do Mube, que é um dos dez prédios mais importantes da arquitetura brutalista do mundo”, lembrou.

Segundo os curadores Guilherme Wisnik  e Alves, a mostra se aproxima das referências artísticas de Paulo Mendes da Rocha e de diálogos que ele estabeleceu entre o seu projeto e a produção de artistas como René Magritte e Henry Moore. “A exposição também explora relações entre o museu e a produção contemporânea, seja a partir de contrastes ou de consonâncias. Trabalhos tridimensionais, fotografias, pinturas e desenhos de diversos artistas que se relacionam com arquitetura e elementos estruturais do prédio do museu, como a marquise, as paredes de concreto e a paisagem, estão exibidos”, concluíram.

Paulo Mendes

Capixaba de nascença e paulistano de vivência, Paulo Mendes da Rocha pertence a um seleto grupo de arquitetos modernistas que movimentaram o design nacional, no Brasil e no exterior. Paulo assumiu uma posição de destaque a partir do premio Pritkzer que recebeu em 2006 e assinou projetos de renome na arquitetura nacional, como o pórtico da praça Patriarca, a reforma da Estação da Luz e o ginásio do Clube Paulistano, além do já mencionado museu Brasileiro da Escultura (Mube).

Graduado em arquitetura pela Universidade Presbiteriana Mackenzie de São Paulo, desde o início de sua carreira Paulo valorizou uma arquitetura “crua, limpa e clara”, característica que imprimiu também em seus mobiliários. É por esta razão que Paulo é considerado, ao lado de Vilanova Artigas e Le Corbusier, um dos grandes nomes do modernismo.

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O corpo humano e os objetos cotidianos na perspectiva de Erwin Wurm

CCBB mostra 40 obras do artista Erwin Wurm e sua reação entre o corpo e os objetos

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Os objetos e o corpo são temas da mostra do austríaco Erwin Wurm em cartaz no Centro Cultural do Banco do Brasil (CCBB) em Brasília. A mostra chegou à capital federal para as comemorações de aniversário da cidade, mas antes estavam em cartaz na capital paulista.

Erwin Wurm apresenta uma série de trabalhos que discute justamente a relação do corpo humano com as coisas, não apenas a partir do físico, mas também de suas camadas psicológicas e espirituais.

Suas obras utilizam um deslocamento de elementos do cotidiano para o campo da arte, reconfigurando objetos familiares como casas, carros, roupas e alimentos para um contexto inesperado, engraçado e ao mesmo tempo crítico em relação à sociedade contemporânea.

Erwin Wurm nasceu na Áustria em 1954 e ficou sobretudo conhecido por seu trabalho com esculturas, inclusive suas esculturas de performance.  Na obra One Minute Sculptures, que apresentou pela primeira vez na Alemanha e que trouxe ao Brasil para a exposição no CCBB, o autor escolhe objetos banais do cotidiano para interagir com o publico.

O autor escolheu as 40 peças que trouxe ao Brasil para tratar de forma crítica da desproporção que os objetos ganham na vida das pessoas. Então quem passar por Brasília até o dia 26 de junho, não perca.

Fonte e Imagem: CCBB

Uma visita à Design Week

O Salão do Móvel de Milão chegou ao fim no ultimo domingo, mas o Blog AZ continua mostrando o que de melhor a feira mostrou em 2017

MOOOI na Design Week

MOOOI na Design Week

O 56º Salão do Móvel de Milão pode ter chegado ao fim no último domingo (9), mas nós ainda estamos encantados com o que vimos. É por isso que este post se dedica a dar uma volta em alguns stands e mostrar o que foi mostrado na Itália na ultima semana.

A Kartell já foi vítima do nosso encanto em uma matéria específica sobre seu stand. A marca usou o termo ContamiNation para mostras peças de mobiliário contaminadas pelo design mundial. Outro stand que falou sobre design do ponto de vista do multiculturalismo foi a nossa querida A Lot Of Brasil. A indústria brasileira levou para a Itália o design nacional contaminado pelo design mundial.

A MOOOI apresentou Life Extraordinary, explorando o mundo dos interiores mostrando diferentes áreas que têm sua própria aparência funcional refletindo as ideias da marca em torno de configurações interiores de hotéis, restaurantes, lobbies, escritórios, casas e bares. Um mundo inteiro da MOOOI que pode ser visto nessa visita virtual. Outro stand que não deixou a desejar foi o de Paola Lenti. Seus coloridos móveis outdoor somaram-se ao seu incrível trabalho com a tapeçaria – tudo exposto em forma de arte.

Fique com fotos oficiais do evento e se delicie com o melhor do design na Design Week de 2017.

Kartell

Kartell

Kartell

Kartell

A Lot Of Brasil

A Lot Of Brasil

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Paola Lenti

Zaha Hadid no Salão do Móvel de Milão

A cadeira postuma Tippy foi uma das homenagens da Design Week para Zaha Hadid, que faleceu há um ano em 31 de março

Cadeira postuma Tippy

Cadeira postuma Tippy

No dia 31 de março de 2016, a premiada arquiteta Zaha Hadid nos deixou. Um ano depois a maior feira de design do mundo espalhou suas peças pela cidade para homenagear Hadid e seu importante trabalho. Tanto o Salão do Móvel de Milão, quanto a Fuorisalone – principal evento paralelo que acontece durante a semana do design – não se esqueceram da iraquiana erradicada na Inglaterra.

Uma das estrelas da mostra foi poltrona Tippy, criada por Zaha Hadid em 2011. A poltrona Tippy foi desenvolvida postumamente pela Sawaya e Moroni como homenagem à arquiteta, que colaborava frequentemente com a marca. A Sawaya e Moroni anunciou, entretanto, que apenas 24 unidades serão produzidas. Além da Tippy, as esculturas White in the City e Aura, e também a Aqua Table participaram da Design Week.

Zaha Hadid nasceu em Bagdade, mas os primeiros passos da sua carreira foram dados na Universidade Americana de Beirute, no Líbano, onde começou estudando matemática. Anos mais tarde se mudou para Londres e completou seus estudos na Architectural Association School of Architecture.

Seus trabalhos, sempre meio futuristas, caminharam entre a linha da inovação e do emblemático. Com suas curvas acentuadas e iluminação intensa, a arquiteta estabeleceu um novo método de criar seguindo a linha do desconstrutivismo. As obras de Zaha Hadid foram grandiosas assim como a arquiteta e o Salão do Móvel de Milão lembrou isto durante a mostra.

Aqua Table (Foto: David Skyes)

Aqua Table (Foto: David Skyes)

Escultura Aura (Foto: Luke Hayes)

Escultura Aura (Foto: Luke Hayes)

Kartell Contamination

Contaminação foi o termo escolhido pela Kartell para dizer que seu design está contaminado por vários designs e várias nações em um encontro bem cosmopolita

Kartell
No Pavilhão 20, o mais importante da Design Week, outra importante marca de design expõe seus clássicos e lançamentos na Semana do Móvel de Milão 2017. Sem mais delongas, estamos falando a Rainha dos polímeros, a Kartell. A italiana tem um dos stands mais visitados e esperados da mostra, e este ano escolheu o tema contaminação.

Contaminação foi o termo escolhido pela Kartell para dizer que seu design está contaminado por vários estilos, épocas e gerações. Isto decorre da liberdade que seus designers têm para criar, com os melhores recursos tecnológicos, o melhor do design no plástico.

ContamiNation é também uma brincadeira com a palavra em inglês “Nation”, que significa nação. Na realidade a própria Kartell é uma nação por si só, já que soma a importância e o alcance de seu design com a colaboração de verdadeiros artistas do móvel de diversas nacionalidades. É um design que carrega a qualidade italiana com a diversidade do cosmopolitismo, uma verdadeira contaminação criativa.

Segundo a empresa a “contaminação”, ou melhor, a “diversidade” é a essência do design atual. Por isto que a coleção Katell Milão 2017 foi contaminada para se tornar parte de um universo que é incrivelmente infinito e menos padronizado. O resultado é um projeto que reflete contemporaneidade e autenticidade global.

Este ano a Kartell criou um stand bem colorido, com peças dos protagonistas que desenham para a marca, como Philippe Starck, Patricia Urquiola, Ferruccio Laviani, Fabio Novembre entre outros, que juntos contaminaram o espaço com seus designs novos e já conhecidos do público.
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Imagens:
Divulgação Kartell

Antropofagia da A Lot Of Brasil em Milão

A indústria Lot Of Brasil participa de mais uma edição do Salão do Móvel de Milão para mostrar ao mundo o design brasileiro

Coleção Estrela - Irmãos Campana

Coleção Estrela – Irmãos Campana

A Lot Of Brasil carrega desde 2013 a grande responsabilidade de representar o Brasil na maior mostra de design do mundo: o Salão do Móvel de Milão. Como o próprio nome já diz, A Lot Of Brasil é um Brasil muito plural, e a mensagem que a empresa procura passar com sua mostra em Milão é o orgulho daquilo que é “mede in Brazil”.

A indústria A Lot Of foi  primeira brasileira a ser selecionada para participar do Salão Internacional do Móvel de Milão e em 2017 a empresa leva mais uma vez o pedacinho do Brasil para o mundo em seu stand montado no importante Pavilhão 20 da feira.

O tema original do Brasil permeia todo stand da A Lof Of, com uma área de paredes cobertas pela biodiversidade da flora brasileira. Este ano, importantes peças retornaram a Milhão, como a Coleção Estrela dos Irmãos Campana e a peças Underconstruction e Esqueleto, do diretor da indústria e designer Pedro Franco.

Andrea Borgoni - Cariri Collection

Andrea Borgoni – Cariri Collection

Mas o destaque foi para a Cariri Collection, assinada por Andrea Borgogni, que é uma coleção feita por mestres de ofício e artesões.  “A China massificou muito a produção moveleira, e não só moveleira, e os produtos acabaram perdendo a alma. Quando a gente fala do local, a gente está falando em trazer de volta uma alma. Quando falamos em uma coleção, esta alma está no ponto de partida da criação das peças e este ponto está nas culturas locais”, explicou Pedro Franco em entrevista para a Casa Cor TV.

A coleção Cariri veio para trazer de volta a alma e apresentar peças que conseguiram capturar a o espirito brasileiro, ainda que criada por um italiano. A ideia da A Lot Of Brasil é a de apresentar criações que possibilitam o reencontro do Brasil em outros lugares do mundo. A Cariri Collection é formada por peça de madeira escultórica. Na verdade, a madeira utilizada na coleção é a mesma usada por artesãos para esculpir santos.

A Coleção Estrela, dos Campana, sai com um novo lançamento: a poltrona estrela em balanço e coberta com imãs redondos. Outros clássicos da A Lot Of Brasil também estão de volta em 2017. Para Pedro Franco, diretor da marca, a indústria trabalha com o velho conceito da antropofagia: traz conceitos internacionais para o Brasil, recria com a alma da cultura nacional para, em seguida, devolver ao mundo. A Lot Of Brasil completa mais um ano fazendo o belo trabalho de apresentar ao mundo o respeitadíssimo design nacional.

Sofá Underconstruction - Pedro Franco

Sofá Underconstruction – Pedro Franco

Poltrona Estrela (com ímã)

Poltrona Estrela (com ímã)

Imagens: Divulgação/A Lot Of Brasil

 

SP-Arte acontece entre os dias 6 e 9 de abril

Semana de arte de São Paulo começa a se movimentar com a 13ª edição da SP-Arte, que acontece entre os dias 6 e 9 de abril

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Ontem anunciamos o início da Semana de Design de Milão, mas não é apenas a cidade italiana que respira arte nesse início de abril. Amanhã São Paulo recebe mais uma edição da Festival Internacional de Arte de São Paulo (SP-Arte), feira onde as galerias recebem colecionadores e amantes da arte para mostrar o que artistas brasileiros e internacionais feito de novo no seguimento.

São Paulo é considerada uma das dez cidades mais importantes do mundo quando o tema é arte. Foi por isso que em 2005 foi criada a SP-Arte. Em 2017 a feira completa 13 edições e será realizada entre os dias 6 e 9 de abril no Pavilhão da Bienal Parque Ibirapuera.

Este ano, o evento reúne mais de 120 galerias de arte moderna e contemporânea do Brasil e do mundo. “O nosso trabalho, ao longo de mais de uma década, foi sempre no sentido de democratizar o acesso à arte, trabalhando pela formação de novos apreciadores e colecionadores, fazendo circular ideias e informações, divulgando eventos e exposições, criando prêmios de incentivo e ações como o Gallery Night, que têm como foco ocupar a cidade com arte e convidar o público a transitar por bairros paulistanos, visitando galerias e museus”, afirma Fernanda Feitosa, diretora e fundadora da SP-Arte.

Na abertura da semana do Festival, SP-Arte e Videobrasil unem forças para apresentar no Galpão VB a mostra “Nada levarei quando morrer, aqueles que me devem cobrarei no inferno”, que conta com uma seleção de trabalhos em vídeo de artistas brasileiros centrais da cena contemporânea.
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Design

A feira também dá destaque ao design mobiliário, iluminação, antiquário e objetos, que foi sucesso de crítica e público na mostra de 2016 – ano que a feira estreou na exposição deste seguimento. Este ano, a SP-Arte expõe o melhor da produção nacional em sua segunda edição da SP Design. Estarão presentes galerias como ETEL e Hugo França e ainda o SP Design apresenta artistas icônicos como Sergio Rodrigues, Zanine Caldas, Lina Bo Bardi e Jorge Zalszupin e também novos destaques da geração contemporânea como Zanini de Zanine, Jader Almeida e Irmãos Campana.
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Informações e imagem: Assessoria SP-Arte